Belle and Sebastian - Belle and Sebastian Write About Love

por Bárbara Coca


Tuve el disco entre mis temblorosas manos (llenas de emoción) unos cuantos días antes de que saliera a la venta. Pero a pesar de ello, no escuché Belle and Sebastian Write About Love sino hasta casi una semana después de que llegó a mi buzón. A pesar de la larga espera, a pesar de la expectación. ¿Saben por qué? Porque tenía miedo. Después de todo, a) el septeto de Glasgow me tiene acostumbrada a discos casi perfectos, y b) seamos honestos: tras más de 10 años de carrera, lo más común es que a cualquier banda se le empiece a agotar la reserva de creatividad y frescura. En pocas palabras: tenía miedo de que este fuera el disco que marcara "el inicio del final" de una de las bandas que llevo más cerca de mi corazón.

Cuando el aguijón de la curiosidad se hizo mayor que cualquier temor, escuché el álbum entero un par de veces, tras lo cual respiré con alivio. Si bien Write About Love carece de la contundecia y del gancho inmediato de The Life Pursuit, ello no significa que la última entrega de la banda escocesa sea inferior o se quede atrás en una discografía prácticamente impecable (olvidemos por un momento que Storytelling existió alguna vez).

Se trata de un álbum muy completo y cohesivo; en él no hay grandes sorpresas, pero esto, lejos de ser algo negativo, simplemente no hace más que enfatizar la consistencia y la calidad del trabajo de Stuart y compañía. Write About Love no viene a innovar, sino a corroborar y afianzar el estilo de Belle and Sebastian: en estos tiempos, nada ni nadie suena como ellos. Y eso, en un ambiente musical en el que todo se parece a..., toma influencias de... y se basa en..., no sólo es una cualidad: es un tesoro.

Write About Love está lleno de joyas: la ingeniosa letra y la melodía infecciosa de "Come On Sister". El pop perfecto del tema que le da nombre al álbum, cuyo único defecto es que no haya visto la luz unos cuantos meses antes: hubiera sido la canción del verano 2010. Alegre, optimista, luminosa y contagiosa, incita a mover mucho más que el pie. También están la muy sencilla y bonita "Read the Blessed Pages", la agridulce "Calculating Bimbo" (¿dedicada quizá a Isobel Campbell? Su historia de amor con Stuart Murdoch a mí me tiene cautivada y perpleja), o las excelentes contribuciones de Sarah Martin ("I Didn't See It Coming" y "I Can See Your Future") y Stevie Jackson ("I'm Not Living in the Real World"), las cuales alcanzan un nivel muy superior al de canciones de relleno o de pistas de apoyo para la obra de Murdoch: brillan con verdadera luz propia y revelan un potencial alentador y saludable para el trabajo creativo futuro de la banda.

Y si a pesar de ello alguien sigue dudando del nivel de composición del grupo, ahi está "I Want The World to Stop". Un tema simplemente enorme y elegante; un verdadero derroche de sofisticación retro y sensualidad que sin duda marca un punto altísimo en la carrera de Belle and Sebastian y que tiene, desde ya, un lugar entre las mejores canciones del grupo.

Y así, cuando menos me doy cuenta, el disco se ha terminado. Igual que mi temor y mi ansiedad iniciales, pues transcurridos los 43 minutos y 20 segundos de duración del álbum, lo único de lo que tengo ganas es de escucharlo otra vez: de bailar con la música de Belle and Sebastian y de rendirme, una vez más, a sus pies.

Make me dance, I want to surrender...

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Arcade Fire – The Suburbs

Disclaimer: El autor esta reseña se declara gran fan de la banda y la subjetividad abunda en el texto.

Me encanta contar cómo fue que llegué a la música de Arcade Fire. Fue a mediados de 2005, yo estaba en la prepa y entonces mis oídos devoraban cuanta música encontraba y ansiaba con conocer bandas nuevas, fue entonces cuando a un amigo y a mí se nos ocurrió buscar música de una manera distinta a la acostumbrada, nos dirigimos a un MixUp y nos pusimos a ojear entre los estantes en busca de algo que nos llamara la atención (tal vez el nombre de la banda, tal vez el arte de la portada, no sabíamos) Y así fue como llegó a mis manos Funeral de Arcade Fire.

No los conocía, y si ya los había escuchado, no lo recordaba, pero al ver la portada y el singular empaque de cartón no tuve otra opción más que escogerlo de entre cientos de opciones. Llegando a mi casa, a manera de rito, quite con cuidado el plástico que lo cubría, lo abrí de la manera más delicada posible, sabía de antemano que tenía algo importante en mis manos, y lo coloqué en mi walkman para escuchar qué había traído a casa.

¡Fffuuu!, el teclado y los primeros acordes "Neighborhood #1 (Tunnels)" entraron por mis oídos inundando todo mi cuerpo de una sensación difícil de explicar: había sucedido, Arcade Fire había llegado a mi vida para quedarse.

Todo lo que he encontrado en Arcade Fire, rara vez lo he encontrado en otras bandas, su música me ha acompañado sin falta en mis playlists, en mis momentos de locura cantando/gritando "Wake Up", en tristezas escuchando "Crown of Love", acompañado de amigos con "Keep the Car Running".

La última vez que esperé tanto un disco fue cuando iba a salir Flying Club Cup de Beirut, sin embargo, no se compara la emoción, la ansiedad y todo lo que pasé cada que se anunciaba algo nuevo sobre The Suburbs. Y no soy el único, es claro que la banda hoy en día es todo un ícono que ha marcado a más de uno, basta con hacer una pequeña búsqueda en twitter y ver que no importa la hora siempre hay alguien escuchándolos.

Funeral fue un álbum importante en la carrera de la banda, no sólo por ser su debut, sino porque durante la grabación del mismo, familiares de Régine, Win, Will y Richard fallecieron, de ahí el título del álbum, y también, el por qué este tiene una atmósfera triste. Neon Bible en cambio se encuentra envuelto en diversos temas sobre la fe, el amor, los miedos y la religión, dándole un sonido sombrío y enfadado.

The Suburbs

Para The Suburbs, la banda ya se encontraba muy cerca de la cúspide de su carrera, con dos discos considerados por muchos como de los mejores de la historia y habiendo dejado atrás cualquier sentimiento de tristeza o enojo. Arcade Fire se econtraba en su mejor momento.

"The Suburbs" es el track que abre el nuevo material, y lo hace muy diferente a lo que podemos escuchar en Funeral o Neon Bible, un efímero platillo nos da la bienvenida, seguido de los acordes más felices que hayamos escuchado en alguna canción de Arcade Fire. “Sometimes I can’t believe it / I’m moving past the feeling”, y sin embargo, la voz de Win no deja de sentirse nostálgica.

Para la composición de este álbum usaron como inspiración las experiencias de la niñez de Win y Will Butler en los suburbios donde crecieron. “Es una carta desde los suburbios”, según Win.

El eco del primer track permanece mientras las primeras notas de "Ready to Start" se presentan, una canción que se asemeja a lo que en su momento fueron "No Cars Go" y "Keep the Car Running". Mientras "Rococo" junto con "Empty Room" representan el primer momento épico y fuerte del álbum.

El bloque compuesto por "Half Light II (No Celebration)", "Suburban War" y "Month of May" parece contradictorio, pero si se escucha con cuidado pueden notar como cada canción se conecta a pesar de los diversos sonidos que hay en cada una. Electro, folk y rock respectivamente. Acertadamente, el mismo Win Butler describió The Suburbs como una mezcla entre Depeche Mode y Neil Young.

"Wasted Hours" y "Deep Blue" cambian de manera abrupta el ritmo del álbum y escuchamos a Win hablando sobre el tiempo perdido (duh) y la poca importancia que parece tener todo ahora. "We Used to Wait" es una canción ávida y tal vez la más accesible del disco entero.

"Sprawl II (Mountains Beyond Mountains)" en un principio puede parecer un extraño experimento, pero basta escucharla un par de veces para darse cuenta que es una canción que representa totalmente a Régine, pese al sonido synth/disco que tiene. Lo invito a ver esta canción en vivo durante su presentación en el Madison Square Garden para que se den cuenta de lo que hablo.

"The Suburbs (Continued)" nos regresa a donde empezamos, con una versión más relajada de "The Suburbs" con Win diciendo que si pudiera tener todo el tiempo desperdiciado de nuevo, sólo lo desperdiciaría otra vez. No hay arrepentimiento en su vida y sus decisiones.

Arcade Fire
Sitio Oficial | @arcadefire

por Julio

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Janelle Monáe - The Archandroid

The Archandroid es un disco con una mezcla ecléctica de sonidos, lo cual es comprensible y sorprendente al mismo tiempo. Comprensible ya que Janelle es una artista en toda la extensión de la palabra, (estudió teatro y música) y soprendente, debido a la gran cantidad de géneros musicales que incluye en su álbum debut.

¿Ecléctico? Basta con escuchar las primeras tres canciones del disco para convencerse de esto. Inicia con una orquesta tocando una overtura en donde se aprecian violines, percusiones, algo de piano y un pequeño coro. Para después cambiar completamente de ritmo y tener un beat pegajoso y a Janelle haciendo un poco de freestyle.

El ritmo upbeat se mantiene con "Faster", sin embargo aquí aparece el estribillo pegajoso. En Locked Inside nos demuestra su lado meloso, pero sin excederse, además, por ahí del minuto tres se empieza a escuchar un buen riff de guitarra.

En el quinto track el disco empieza a sonar más rhythm & blues en donde destaca mucho la potente voz de Janelle y desde ahí la mezcla de funk, soul y algo de jazz se aprecia.

La influencia de Big Boi se nota demasiado en Tightrope, una canción que, si no fuera por la voz femenina, se podría pensar que es Outkast quienes la interpretan. Aquí se puede destacar las trompetas que usan y se disfrutan.

El ritmo baja, pero no la intensidad, es un álbum que no llega a aburrir y que debido a sus constantes cambios de ritmo te mantiene atento.

Musrooms & Roses, quizá sea la canción que líricamente disfruto menos, pero la combinación de las guitarras, batería y violines me agradan.

57821 merece una mención especial por esa combinación entre instrumentos y vocales.

BaBopByeYa cierra a un muy buen álbum. The ArchAndroid lo recomiendo escuchar de principio a fin, respetando la producción y el orden que Janelle escogió. Es la forma en la cual lo disfruto más.

por Flavio

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Reseña: M.I.A. - /\/\ /\ Y /\

Ay niños, ¡qué trabajo me ha costado escribir esta reseña! Ando con la pila baja, así que para facilitar mi trabajo y acelerar el proceso de inspiración, decidí adoptar un enfoque práctico (y también poco ortodoxo) en la redacción de esta crítica mágico-musical, consistente en dividir al tercer disco de M.I.A. en dos partes: sus pros y sus contras. Qué funciona y qué no. Y resulta ser que las ideas surgieron con mayor facilidad, así que no se sorprenda si vuelvo a utilizar este método en el futuro. Así que, sin más preámbulos, empezaré con la parte más difícil.

Los contras

Comparado con álbumes tan explosivos como Arular y Kala, /\/\ /\ Y /\ es la versión extra light de M.I.A. El giro es, hasta cierto punto comprensible; después de todo, esta mujer no tiene mucho tiempo de haberse convertido en madre y de comprometerse con Benjamin Zachary Bronfman. Ya saben, el tipo de cambios personales que pueden hacer que uno se vuelva un poco menos impetuoso y más sosegado. Pero el problema principal de /\/\ /\ Y /\ es que dicho sosiego, a ratos, está a nada de convertirse en tedio. Y lo dice alguien que ha disfrutado sus dos primeros trabajos sin reservas.

La temática de /\/\ /\ Y /\ es la de la conspiración tecnológica, el control y censura de la información por parte de gigantes de la red de redes como Google o Facebook (inventos que M.I.A., a mi gusto pecando de paranoica, considera creaciones peligrosísimas de la CIA) y el tumulto social y político de estos tiempos. Hasta ahí, la temática del álbum no tiene nada de malo y no podría ser más "M.I.A.", sin embargo, es la parte de la experimentación musical la que parece ser la raíz de la opacidad del disco. /\/\ /\ Y /\ cuenta con un sonido más industrial que sus dos antecesores, lo cual podría ser el motivo detrás de la consistente falta de colorido y exuberancia de antaño. Así, el mensaje transgresor pierde potencia (y mucha) al ser insertado en melodías redundantes y anodinas que lejos de estimular adormecen. Y lo último que uno esperaría de la música de M.I.A. es que haga las veces de sedante. Hay atisbos de genialidad, pero se quedan sólo en eso: asomos de lo que pudo ser. "Teqkilla", por ejemplo, sería un tema sobresaliente (cuenta con sampleos interesantes y un sonido exótico y fresco), pero es demasiado largo como para prestarle atención durante sus ¡seis minutos y veinte segundos! de duración. Tienen el mismo efecto "It Takes A Muscle" o "It Iz What It Iz", temas que en conjunto ofrecen otros seis minutos de música repetitiva, plana y por ende, poco memorable. Por desgracia, esa pareciera ser la estructura del disco: mucho relleno que te deja indiferente y apenas un puñado de canciones que captan tu atención.

Entonces me pregunto: ¿es esta la misma M.I.A. que hace apenas un par de años nos regaló originales y frescas joyitas pop como "Jimmy"? ¿En verdad es la misma que se abrió paso en el mainstream a base de los balazos y las protestas en la perfecta "Paper Planes"? No, estimado lector, temo decirle que no es la misma. Nos la cambiaron por una M.I.A difusa, con poca garra y menos guarra. ¿Será acaso que el cambio de residencia (ahora vive Los Ángeles, la ciudad del glamour light por antonomasia) y de estado civil afectaron su capacidad creativa? Si habemos de guiarnos por el material incluido en /\/\ /\ Y /\, todo parece indicar que sí.

Los pros

En su defensa, podríamos decir que la falta de sobresaltos en /\/\ /\ Y /\ se debe a que es un trabajo más introspectivo. Y el cambio de dirección es algo que siempre, siempre, siempre se apreciará en estos tiempos de fórmulas repetidas y éxitos prefabricados. Con todo y que el resultado final no acabe de convencernos.

El tema abridor de /\/\ /\ Y /\, "Steppin' Up", es uno de los más memorables del álbum, gracias a sus tintes industriales (aquí están muy bien logrados) y a los sampleos de sierras eléctricas y metales, los cuales dotan al tema de una agresividad sonora ausente en el resto del material. El primer sencillo oficial, "XXXO", es otro tema acertado, en el que M.I.A. abraza su lado popero con una vehemencia que no le habíamos visto antes. Lo anterior podría hacer que este pro se convierta en contra: al escucharla, no dejo de pensar que "XXXO" bien podría ser una canción de Britney, de Rihanna o de alguna diva del pop de hoy. Y por ello es inevitable preguntarse qué es "XXXO" o cuál era la tirada de M.I.A. al incluir un tema tan desesperadamente pop: ¿eclecticismo por razones puras y estéticas o más bien malignas y comerciales? Usted dirá.

"Lovealot", otro acierto del álbum, cuenta con una buena dosis de política y religión, abordando temas tan espinosos como el terrorismo, el extremismo religioso y cultural y la reivindicación de los derechos de los creyentes musulmanes (todo lo cual gira alrededor del atentado en el metro de Moscú del pasado mes de abril y de la adolescente musulmana que lo ejecutó). Y, como la provocadora que es, M.I.A. deja ver de qué podría estar. ¿O soy la única que piensa que su pronunciación de la frase "I really love a lot”, la cual sospechosamente suena a "I really love Allah", no es mera una coincidencia?

El polémico "Born Free" es otro de los temas sobresalientes. Debo mencionar que la primera vez que la escuché quedé satisfecha con la propuesta visual (el video será violento y controvertido y todo lo que usted quiera, but it's got a point), pero no con la parte sonora, la cual me dejó frunciendo el ceño. Ahora, habiendo escuchado el álbum entero y a pesar de mi rechazo inicial, considero que "Born Free" es de lo mejorcito del disco. M.I.A. lo sabe y por eso su lugar en el track listing no podría ser más atinado, pues viene a aplicarle al álbum una sesión de poco más de cuatro minutos de RCP, muy necesaria para devolverlo a la vida después de tres temas que son mucho ruido (literalmente) y pocas nueces. En comparación, "Born Free", a base de percusiones arrebatadoras, guitarrazos desaforados y vocales emitidas mediante un altavoz, es ruido hardcorero del bueno.

El último pro le corresponde a "Tell Me Why", un tema en el que la voz de M.I.A. es la protagonista, y que sin ser la voz que el mundo estaba esperando, ofrece un momento intimista y emotivo que le da un giro completamente diferente al álbum. A pesar de ser un tema lento más en un disco plagado de este tipo de canciones, "Tell Me Why" sobresale por su sorprendente y más que bienvenida calidez. Uno desearía que el disco incluyera más temas similares a este, pues los elementos experimentales e introspectivos de M.I.A. aquí funcionan a la perfección y se amalgaman de manera sólida y convincente.

De los bonus tracks sólo puedo decir que son puro relleno y que, salvo el divertido sampleo tomado de la serie británica Fonejacker en la lúdica "Internet Connection", en realidad no hay nada verdaderamente rescatable o imprescindible. Quizá un par de remixes o versiones diferentes hubieran sido inclusiones mucho más interesantes y hasta fructíferas, pues hubiera sido bueno averiguar la dirección que los temas menos logrados del álbum habrían podido tomar en manos de otros.

Conclusión

En breve, /\/\ /\ Y /\ es un álbum que nunca acaba de arrancar; está salpicado de despuntes interesantes por aquí y por allá (ver sección "Los pros"), pero considerado como un todo, le falta cohesión y punch y carece del elemento sorpresa tan característico de las obras anteriores de M.I.A. Experimentar con el estilo propio siempre es bueno, pero se debe estar preparado para no obtener los resultados esperados de manera inmediata. Creo que este es el caso de /\/\ /\ Y /\, por lo que no queda más que aceptar que las intenciones de introspección y experimentación de M.I.A. se quedaron sólo en eso: bocetos, trazos inacabados e inconexos. Esperemos que en un par de años M.I.A. vuelva a dar en el clavo con un disco que nos ofrezca más de lo que sabe hacer tan bien: innovar y transgredir mediante sus collages de conciencia política, cultura pop, globalización y sincretismo musical.

por Bárbara

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The Way Out

Cuando escucho a The Books me parece que van narrando historias, las cuales son acompañadas de música electrónica muy bien elegida.

El cuarto álbum (sí, hay uno antes pero es un EP) del dúo neoyorquino no es la excepción, comienza contándonos la historia del disco, pidiendo (palabras más, palabras menos) que escuches y sientas el recorrido por el cual te van guiando, la historia que van contando.

A lo largo del mismo es posible identificar trompetas, sintetizadores, bajos, guitarras y claro, percusiones.

Con esta entrega pasan 50 minutos como si fueran cinco. Así es, ligero, pero lo suficientemente fuerte para dejar en la memoria los sonidos agradables elegidos por ese par.

Los cinco años que han tardado en sacar algo nuevo están muy bien recompensados. The Way Out pinta para ser uno de mis favoritos del año.

Este disco se podrá adquirir en tiendas este mes, aunque ya es posible pre-ordenarlo o bien, encontarlo en el tracker de su preferencia.

por Flavio

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Reseña: Spoon - Transference

Hay algo nuevo tejido entre las letras y la música de el último y espectacular esfuerzo de Spoon; ese algo no tiene nada que ver con el habitual tono de los discos de Britt Daniel y compañía, su obsesiva búsqueda por perfeccionar un sonido que hace mucho logró una personalidad propia e inconfundible... no, es algo un poco más profundo.

Pero primero, el disco: es excelente, es un disco de Spoon y si hay una banda que haya acostumbrado a su público a la calidad, esa banda es Spoon. En este material se las ingenian para jugar con su sonido y reconstruirlo, usando los mismos elementos y crear en el proceso algo nuevo.

Transference no cuenta con sencillos como “The Underdog” o “You Got Yr. Cherry Bomb”, el tono general del disco difiere de la energía mostrada en discos anteriores (especialmente en Gimme Fiction y en Ga Ga Ga Ga Ga), pero se podría decir que esa energía no ha desaparecido, más bien, podemos pensar en que fue redirigida. Las canciones del disco suenan más experimentales y más profundas, Spoon juega con estructuras que dotan a sus canciones de una nueva profundidad; no hay mejor ejemplo de ello que el nuevo sencillo “Written in reverse”.

¿El sonido de este grupo está llegando a sus límites? Aquí empieza lo complejo... en este disco Spoon se reinventa usando las mismas herramientas que siempre ha usado, demostrando que su impecable dominio de sus instrumentos y las cualidades de Daniel como escritor, les da para romper todo, rearmarlo y salir con una joya como Transference... el disco es un ejemplo vivo de que la creatividad humana no tiene una dirección predeterminada, no solo se crece hacía arriba o exponencialmente...

Se puede crecer hacia atrás, se puede crecer hacia dentro, o como nos muestra Spoon en este disco, se puede crecer a los lados. Y ese crecimiento nos ha dejado uno de los mejores discos del 2010, regocijémonos.

por César

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Lo Mejor de 2010 ... hasta ahora

El 2010 llegó rápido y de igual manera se nos está yendo, pero a su paso nos esta dejando grandes discos y bandas nuevas dignas de escucharse.

A continuación algunos de los que creemos no deben perderse por nada:

Delphic - Acolyte

Enero 11

Polydor

( Pick a band that's new - Delphic )

Video: Delphic - Doubt

Spoon - Transference
Enero 19
Merge

Video: Spoon - Written in Reverse

Beach House - Teen Dream
Enero 26
Sub Pop

( Mi concierto de Beach House )

Video: Beach House - Norway

Yeasayer
Febrero 8
Secretly Canadian

Video: Yeasayer - Ambling Alp

Phantogram - Eyelid Movies
Febrero 9
Barsuk

Video: Phantogram - Mouthful of Diamonds

Hot Chip - One Life Stand
Febrero 9
Astralwerks

( One Life Stand )

Video: Hot Chip - I Fell Better

Joanna Newsom - Have One On Me
Febrero 23
Drag City

Sitio Oficial

Owen Pallett - Heartland
Marzo 2
Domino

Video: Owen Pallett - Lewis Takes Off His Shirt

Gorillaz - Plastic Beach
Marzo 3
Parlophone

Video: Gorillaz - Oh Melancholy Hill

Pocahaunted – Make It Real
Marzo 5
Not Not Fun

Video: Pocahaunted - All Of Is You

The Morning Benders - Big Echo
Marzo 9
Rough Trade

Video: The Morning Benders - Excuses

Two Door Cinema Club - Tourist History
Abril 27
Glassnote

( Pick a band that's new - Two Door Cinema Club )

Video: Two Door Cinema Club - Undercover Martyn

Broken Social Scene - Forgiveness Rock Record
Mayo 4
Arts & Crafts

Video: Broken Social Scene - Forced to Love (Live)

The National - High Violet
Mayo 11
4AD

( Canciones nuevas de The National )

Video: The National - Bloodbuzz Ohio

Ariel Pink's Haunted Graffiti - Before Today
Junio 8
4AD

Video: Ariel Pink's Haunted Graffiti - Bright Lit Blue Skies

Devo – Something For Everybody
Junio 15
Warner Bros

Video: Devo - Fresh (Live)

Wolf Parade - Expo 86
Junio 29
Sub Pop

Video: Wolf Parade - Ghost Pressure (Live)

Dirty Projectors + Björk - Mount Wittenberg Orca
Junio 30
self-released

Sitio Oficial

¿Qué otro agregarían a la lista? ¿Cuáles esperan para la segunda mitad del año? En Diez a Uno hay gran expectativa por The Suburbs de Arcade Fire y ¿tal vez algo nuevo de Radiohead?, esperemos que sí.

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Charlotte Gainsbourg - IRM

La mujer de la foto de arriba, aunque usted no lo crea, se siente poco atractiva, está llena de complejos y temores y va al psicoanalista con regularidad para enfrentar sus demonios. Y no es para menos: no debe ser fácil ser Charlotte Gainsbourg. Hija de padres legendarios (Jane Birkin y Serge Gainsbourg, este último héroe, casi santo en tierras galas) que dejaron, tanto juntos como por separado, una marca indeleble en la cultura pop, debe resultar complicadísimo abrirse paso en el mundo del entretenimiento por mérito propio y ganarse el respeto de la crítica y del público sin explotar el apellido.

A pesar de todo, no le ha ido tan mal: su carrera cinematográfica (que incluye más de una veintena de películas) le ha rendido buenos frutos en la forma de premios y reconocimientos. En cuestiones musicales, su discografía es menos extensa (IRM es apenas su tercer álbum), pero el camino que lleva recorrido no ha tenido demasiados obstáculos. En su segundo álbum, 5:55 (y el primero de Gainsbourg ya adulta), contó con la ayuda de veteranos como Air, Jarvis Cocker y Neil Hannon (ahí nomás), con resultados de buenos a moderados. Por algo se empieza.

IRM, su tercer proyecto musical, es mucho más que una continuación de 5:55, mucho más que un paso hacia adelante: es un salto gigantesco, cosa que debe achacársele a Beck Hansen, que cienciólogo y todo, es el genio detrás de la variadísima oferta musical de IRM. Beck es el autor de todos los temas (con excepción de "Le Chat Du Café Des Artistes"), escritos con base en ideas y experiencias sugeridas por la propia Gainsbourg, además de contribuir como músico, arreglista y en los coros. Y a pesar de esta omnipresencia, Beck cede con maestría los reflectores a la voz y a la capacidad interpretativa de Gainsbourg, quien, como buena actriz, sabe crear y recrear emociones, personajes y situaciones, lo mismo frente a la cámara como frente a un micrófono.

Líricamente, IRM es un álbum lleno de símbolos, metáforas y reflexiones. El antecedente directo de esta grabación fue un accidente de esquí sufrido por Charlotte, quien tuvo que recuperarse de un derrame cerebral casi mortal. ¿Qué sigue? La respuesta es obvia: un álbum que habla sobre la experiencia de ese roce con la muerte. Pero lejos de que IRM sea un álbum de tintes sombríos, es todo lo contrario: está lleno de optimismo, vitalidad, experimentación y hasta humor negro.

Hay euforia en temas como la abridora "Master's Hands" o en "IRM" (las siglas de "Imagen por Resonancia Magnética" en français), canción de temática anatómico-quirúrgica en el que el protagonista es el equipo médico mismo. Este inspiró el ritmo y la estructura del tema tras varios meses de chequeos médicos a los que Gainsbourg tuvo que someterse tras su accidente. Es un tema impetuoso, primigenio, violento casi, así como lo más experimental en la carrera musical del pimpollo de Serge y Jane.

"Voyage" es otro tema lleno de ritmos exóticos y exquisitos: percusiones africanas, cuerdas del Medio Oriente, cantado por completo en francés. Todas estas características lo convierten en un auténtico viaje sonoro: pinta tantos paisajes como emociones y, al final, uno cree de verdad que ha cruzado el mundo entero en cuatro minutos y un segundo. Sin duda una de las mejores canciones del disco.

Gainsbourg muestra su lado más amigable con "Heaven Can Wait" (por algo es el primer sencillo del álbum), entra en los terrenos del folk con "Me and Jane Doe" (muy del estilo de Fleet Foxes), visita el blues en "Dandelion" y "Looking Glass Blues" (bonus track de la edición digital), abraza la electrónica lo-fi en la extravagante "Greenwich Mean Time", coquetea con éxito con el punk-rock en la sensual "Trick Pony", se codea con un rock progresivo muy "sigurrósesco" en "Vanities", provoca con la engañosamente simple "La Collectionneuse" (que parte de un loop de piano etéreo y onírico y crece hasta alcanzar proporciones épicas), desnuda su voz y su alma en "Time of the Assassins" (que encierra en menos de tres minutos la melodía pop perfecta), y hasta homenajea a la chanson française en "Le Chat Du Café Des Artistes", un tema del canadiense Jean-Pierre Ferland y que data de los años setenta. Tanto Beck como Charlotte se prendaron de la canción, quizá por la forma en que aborda el miedo a la muerte, al olvido, a ser "devorado" por otros: no es otra cosa que un apunte crudo, ácido, casi masoquista, sobre las consecuencias inevitables de la fama, el vértigo de la vida en el ojo público, los gajes propios del showbiz. Aquí una traducción libre de algunos fragmentos del tema en cuestión:

Y si el pan llegara a faltar
ahí estaré; no dudes ni un momento
en romperme las piernas y el cuello
y después cómeme, tal y como el gato lo hizo alguna vez
No será la primera vez
que un artista sea devorado

Y después me dejaron en el olvido ahí, ahí, ahí, ahí
Tal y como se olvidaron del gato
Tal y como se olvidaron de mis ideas y de mis canciones
No será la primera vez
que un artista quede en el olvido





Con tantos estilos y tantos ritmos, este material, en manos de otros, adolecería de falta de cohesión y acabaría resultando demasiado disperso, superficial. Sin embargo, la mancuerna Hansen-Gainsbourg ha logrado alcanzar un balance adecuado, ofreciendo al escucha un proyecto integral, que como un todo resulta una especie de cuaderno de ejercicios sonoros versátiles e intrépidos: Beck es el hilo conector, la columna vertebral; Charlotte es la intérprete que lo mismo conmueve, narra, seduce, lamenta, recuerda y se ríe con la voz. Y uno no puede sino rendirse ante ambos y escuchar, atento y curioso, de principio a fin.

Por: Bárbara Coca

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of Montreal - Skeletal Lamping

of Montreal - Skeletal Lamping
Polyvinyl Record Co.
Release date: 7 de octubre, 2008

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Bloc Party - Intimacy

Por Gerardo

Bloc Party - Intimacy

Witchita Records
Release date: 21 de agosto, 2008

He aquí el nuevo disco de Bloc Party, cuya fecha de lanzamiento corresponde al día de hoy. En mi opinión se trata de un buen paso para salir del bache en el que se metieron tras haber ofrecido un disco bastante mediocre (A Weekend In The City), pero hasta ahí, pues Intimacy no posee la fuerza y calidad que todos percibimos en Silent Alarm.

¿Cuál es su opinión acerca de éste disco?

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¿Quién es Paté de Fuá?

Por Julio

Paté de Fuá es una orquesta que se formó en méxico hace ya casi 3 años, sus integrantes son músicos de origen argentino, mexicano y chileno. Y lo más importante, su música es una combinación de géneros que van desde el jazz, tango, hasta el foxtrot.



No, no es la banda del momento, no son la banda de quien todos hablan. Son simplemente una banda de músicos reales haciendo eso nada más. Música.

[mp3] Paté de Fuá - La Canción Del Linyera

Espero lo disfruten tanto como yo.


Paté de Fuá
Música Moderna

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Disco del domingo

por Julio

Soldier On en un EP de Andrew Bird que contiene 8 tracks, y sólo se podía conseguir en los shows durante su gira europea. Trae diferentes versiones de Heretics y Plasticities, igual de buenas que las originales, un cover de Oh Sister de Bob Dylan y algunas canciones nuevas.

Puede que el material nuevo en este EP nos de una pista de lo que hará en un futuro álbum.

The Water Jet Slice

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¿Quién es Detektivbyrån?

Por Julio


Detektivbyrån - E18


Es una banda originaria de Suecia, formada por Anders Flanders, Jon Ekström y Martin Molin quienes hacen su música utilizando un glockenspiel, un acordeón, una caja de música y algunos beats. Bastante sencillo y bastante bueno, con el gran talento que tienen no se necesita nada más. Ni siquiera letras.

Pero no necesitan saber quienes son. Necesitan escuchar lo que hacen.


Hemvägen EP
Detektivbyrån
Danarkia, 2006

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I Want to Tell You a Story...

Por Julio

The Piper at the Gates of Dawn
Pink Floyd

Mediados de los 60. La psicodelia comienza a ser una gran fuente de inspiración para la música y las artes en general. Fue a principios de 1967 cuando Pink Floyd grabó su álbum debut: The Piper at the Gates of Dawn.

Un poco de Historia
La grabación comenzó en febrero del 67, se realizó en el estudio 3 de Abbey Road, mientras que al lado The Beatles preparaba su Sgt. Pepper's Lonely Hearts Club Band. En ese entonces Syd Barret era quien lideraba a la banda; sin embargo, fue lo más que hizo con Pink Floyd, ya que para el siguiente álbum su colaboración es mínima debido a su decreciente estado mental. Lo mismo llevó a la banda a incluir a David Gilmour como el quinto integrante y poco después el reemplazo total de Barret.


Anécdota
Como alguna vez contó Roger Waters: Syd Barret había llegado a una de las sesiones con lo que parecía una nueva canción, Have You Got It, Yet? era el nombre y musicalmente parecía bastante simple, pero cuando los demás intentaron aprenderla, Syd Barret cambiaba los arreglos una y otra vez cantando "have you got it yet?" y no fue hasta después de más de una hora cuando los demás se habían dado cuenta que era una de las 'bromas' de Barret. Después de varios episodios como estos, no les quedó más que deshacerse de él, y entonces sería cuando Roger Waters tomaría el liderazgo de la banda.

El disco
Contiene once tracks, la mayoría composiciones de Barret (una es de Waters), el Pink Floyd de entonces era otro y sus canciones hablaban de gnomos, bicicletas, el espacio, etc., todas esas cosas que daban vueltas en la cabeza de Syd y que desaparecerían una vez que Roger fuera quien se encargara de las composiciones.

Bike


"I've got a bike,
You can ride it if you like
It's got a basket, a bell that rings
And things to make it look good
I'd give it to you if I could, but I borrowed it"

Uno de esos discos que ya debería de estar en su colección, si no es así deberían sentirse avergonzados.

Fuentes: Pink Floyd & Co | Wikipedia

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Von Südenfed

Por Gerardo

En los últimos años se ha presentado un boom de la música independiente que es digno de ser recalcado. Sin embargo, es notorio que la mitad de los artistas que logran captar la atención de los medios y del público es una copia de la copia, es decir, su propuesta musical no aporta nada innovador. Sin embargo, existen algunos artistas que gracias a su alta calidad compositiva e interpretativa logran salvarse de dicho patrón y sorprenden ampliamente al escucha.

Von Südenfed es un proyecto formado en el 2004 por Mark Smith (de The Fall), Andy Toma y Jam St. Werner (ambos de Mouse on Mars). A pesar de no haber sido reconocidos con sus primeros aportes musicales, el lanzamiento de Tromatic Reflexxions (Domino Records) a mediados de año dio como resultado críticas positivas y comparaciones con agrupaciones de la talla de LCD Soundsystem y The Field, lo cual es, sin lugar a dudas, un gran honor para cualquier agrupación.


Tromatic Reflexxions es un disco sumamente experimental, en el cual se pasea por distintos géneros y un sinfín de sonidos que nos permiten apreciar la calidad de este proyecto. Son notorias las influencias de The Fall y Mouse On Mars, pero el disco conserva una esencia propia que nos permite distinguirlo fácilmente del resto.

Un disco más para las listas de fin de año, sin lugar a dudas. Muy recomendable para quien desee escuchar una propuesta de tintes electrónicos diferente a Justice, Daft Punk, Digitalism y las todas agrupaciones que han puesto en boca de todos. Música de alta calidad.


Click en la imagen para descargar.

Tromatic Reflexxions
Von Südenfed
Domino Records, 2007

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Ya llegó, ya está aquí

imagen de Hubmedia
El Discbox de In Rainbows, que contiene el CD, Vinyl, booklet con el arte y las letras y el ¡CD2!. Como era de esperarse todo esto ya se puede conseguir en su tracker preferido, o bien aún pueden pedir su propio discbox en www.InRainbows.com.

Radiohead - In Rainbows CD2

Si ya escucharon lo que es el segundo disco, dejen sus comentarios.

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Golden Animals

Por Julio

Si hubiera tenido la fortuna de vivir entre los años 60s y 70s, y haber asisitido a festivales como Woodstock, seguramente hoy una banda como Golden Animals me traería algunos recuerdos de esos tiempos.


Golden Animals, banda nacida en Brooklyn, donde Tommy Eisner y Linda Beecroft (guitarra y bateria respectivamente) se encargan de recrear y revivir ese sonido que parece perdido. Lo que hacen puede no ser muy elaborado ya que se ven limitados al ser un dúo, pero logran atraparnos con su trabajo, o ¿será que nos encanta ver una chica dándole a la batería?.

Ahora se encuentran en estudio, preparando lo que será su primer álbum junto con Chris Coady (quien ya antes ha trabajado con Blonde Redhead, Grizzly Bear, etc), mientras tanto, pueden hacerse de su primer EP gratuitamente, cortesía de su disquera HappyParts Recordings.

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Reseña: Baby Shambles

Shotter's Nation

De las reminiscencias sobrantes de la que una vez fuera la mejor y más influyente banda del Reino Unido, The Libertines, surgieron los Babyshambles, liderados por el controvertido Pete Doherty, conocido, entre otras cosas, por su ya extinto noviazgo con la supermodelo Kate Moss.

Habiendo dejado atrás su primer disco, Down in Albion, donde prevalece un sonido melancólico, a veces oscuro debido a las anécdotas de vida del líder, en esta segunda entrega se distingue una total renovación, producto tal vez de la notable mejoría de Pete con su problema de drogas.

Producido de la mano de Stephen Street que ha trabajado con íconos musicales como The Smiths o Blur y después de una exitosa presentación en el f22estival de mayor audiencia en el mundo, Glastonbury, perpetrado en su país de origen, el nuevo disco resulta una gran promesa con influencias del singular sonido británico pasando por el blues y unos tintes de folk. El primer sencillo que se desprende, Delivery, carga con una tonada de bastante similitud a A’Rebours del disco anterior pero sin tener una relación nada estrecha.

En esta nueva corriente de canciones bailadoras en donde destacan los Arctic Monkeys, es característico de los Shambles las melodías que incitan a mover el cuerpo de manera involuntaria y You Talk y Side of the Road brindan la oportunidad perfecta para hacerlo.

El último track, The Lost Art of Murder, remembra a la primer película grabada a color por el maestro del suspenso, Albert Hitchcock, es decir, La Soga. En ella se hace presente la brillante ejecución del músico escocés Bert Jansch donde en una suave melodía se crea el perfecto cierre de un gran disco. --Jorge

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Los Mejores Discos de Indie

La revista Blender hizo una lista de lo que creen son los 100 mejores discos indie. Por si les queda alguna duda de si en verdad son los mejores, escúchanlos y decidan, al menos los primeros 10 lugares.

1. Pavement - Slanted and Enchanted (↓)
2. Sonic Youth - Daydream Nation (↓)
3. The Replacements - Let It Be (↓)
4. R.E.M. - Murmur (↓)
5. Pixies - Surfer Rosa (↓)
6. Arcade Fire - Funeral (↓)
7. The Velvet Underground - The Velvet Underground (↓)
8. My Bloody Valentine - Loveless (↓)
9. Big Star - Third/Sister Lovers (se los debo)
10. The Smiths - The Smiths (↓)

La lista completa en Cuchara Sónica

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Reseñas: Idlewild, Reverend and The Makers

Idlewild
Scottish Fiction - Best of 1997-2007

Formados a mediados de los 90 en la fría ciudad de Edimburgo, Escocia, Idlewild lanzan en este 2007 un recopilatorio con lo mejor su discografía. Y es que éste no es un típico best-of en los que generalmente sólo se incluyen los singles o alguna canción nueva-pero-mediocre, ya que este incluye tanto los singles más representativos del grupo como varias “album tracks” igualmente importantes, y al mismo tiempo no incluye singles que simplemente no eran tan buenos. La historia de este quinteto escocés ha tenido tantos altibajos como cambios de miembros y de estilo, eso sí, siempre liderados por Roddy Womble y con Rod Jones en la guitarra y Colin Newton en la batería. Su primera etapa, la mas caótica, ruidosa y dura, incluye el EP Captain y el primer LP, Hope Is Important, del cual un par de canciones se incluyen en este disco. Para su segundo disco, 100 Broken Windows, cambian a un estilo agresivo, pero mucho más organizado y melódico. Canciones como Roseability y Little Discourage les dan cierto reconocimiento y popularidad, pero el éxito llega con Hope Is Important, donde ya bajan el ritmo a un rock más tradicional, melódico y con letras inteligentes y pensadas. American English y You Held The World In Your Arms son muestra de esto. Cuando todo parecía listo para su asalto a un público todavía mas amplio, deciden bajar aún mas el tono e ir por el sonido Coldplay, en su disco Warnings/Promises, con muy poco del rock de antes y muchas baladas. El experimento falla y para cuando Idlewild quiere retomar el rumbo en el acertado Make Another World (2007) gran parte de su público los ha abandonado. Pero ahí siguen, con un futuro incierto pero esperemos no les importe tanto lo comercial y sigan haciendo música como la que este recopilatorio nos recuerda que saben hacer. --Supernova



Reverend And The Makers
The State of Things

"I am the Reverend I’ll tell you about the state of things". Así termina la (brillante) canción con la que abre el disco debut de Reverend And The Makers, donde deja sus intenciones son claras. El auto-proclamado Reverend de Sheffield, Jon McClure, va por todas las canicas, él no quiere ser solo reconocido en su ciudad natal como mentor de muchas bandas, si no que va por la corona de Jarvis Cocker como ícono de Sheffield en Inglaterra. Primera gran falla de McClure, ya que se queda lejos ya no digamos de Jarvis, si no del mismo Alex Turner. Por suerte, fuera de esta pretensión desmedida, hay pocos fallos en este disco. En las letras, McClure opta por la crítica social y el contar historias de personajes comunes, todo muy bien si no se hubiera hecho como mil veces en los últimos dos años en Inglaterra. Aún así, canciones como Heavyweight Champion of the World y Armchair Detective tienen sus buenos momentos líricos. Es musicalmente donde el disco destaca más, con una diferencia bastante notable a las múltiples bandas indie del momento, un gran uso de loops y un pequeño toque de elementos electrónicos y funk que hacen que el disco sea muy disfrutable de principio a fin. --Supernova

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